5 bộ phim hay nhất năm 2001 năm 2022

25. Code Unknown

25. Code Unknown

The audience is the enemy in the profoundly scathing provocations of Michael Haneke. But at least once, Austria’s premier Funny Gamesman channeled his penchant to antagonize into something more confounding than cruel—a pointedly cryptic puzzle-box of intertwined Parisian lives. Beginning with a public confrontation that has increasingly devastating consequences for the strangers involved, Code Unknown unfolds as a mysterious jumble of vignettes, presented out of order, elliptically sequenced. It’s an unlikely cousin to the we-are-all-connected ensemble pieces of the filmmaker represented two spaces down on this very list, except that Haneke is less interested in what unites us than what divides us—failures of communication, disparities in privilege. The fragmentary nature of the movie offers its own reward for connoisseurs of confusion, a bounty of tantalizing obfuscation and cognitive dissonance. What’s more, it speaks to a larger theme no less relevant in our deceptively “connected” present: society itself getting lost in translation. [A.A. Dowd]

24. Cure

24.Cure Cure 

Formally ingenious and narratively subversive, Cure proves that even a genre as tired as the serial-killer movie can be elevated by a filmmaker of Kiyoshi Kurosawa’s confidence. The Pulse director eschews whodunit convention by introducing numerous murderers, all with one thing in common: They’ve crossed paths with Mamiya (Masato Hagiwara), an eerily calm amnesiac with strong powers of suggestion. Though detective Takabe (Kōji Yakusho) and his psychiatrist partner (Tsuyoshi Ujiki) catch up with Mamiya quickly, what follows is a skin-crawling portrait of psychological decay that borrows from David Fincher’s Seven and anticipates his later Zodiac. Kurosawa’s greatest gambit is never cuing viewers to look for any particular locus of danger within his frame. Instead, he fills each shot with vague anxiety and dread, and then just holds on it. Everything remains slightly “off” even when nothing abnormal occurs. Until it does, of course. [Vikram Murthi]

23. Amores Perros

23. ​​Amores Perros

Reinvigorating Mexican cinema at the start of the millennium, this grisly triptych of blood on the pavement, human (and canine) suffering, and primal desires launched the career of Alejandro González Iñárritu. Traversing the socioeconomic strata of Mexico City, screenwriter Guillermo Arriaga’s intricate plot tragically connects the parallel plights of a Spanish model recovering from a car crash, a homeless hitman missing his daughter, and a reckless romantic played by a young Gael García Bernal, in his first film role. Flaunting a memorable soundtrack that reflects the evolution of rock music in the country at the time, Amores Perros remains the Oscar-winning director’s most visceral work to date—a real gut punch of a debut. [Carlos Aguilar]

22. Moulin Rouge!

22. Moulin Rouge!Moulin Rouge!

Baz Luhrmann sườn Hollywood-Via-France-Via-Australia hồi sinh của vở nhạc kịch đã đến đúng lúc thế kỷ 21 và có lẽ vẫn còn vài thập kỷ quá sớm, đánh giá từ một số phản ứng đương thời. Những lời phàn nàn đó, về sự điên cuồng của một vở nhạc kịch nơi đạo diễn cắt quá nhanh để thấy điệu nhảy và chuẩn bị cho chiếc ghế dài ngất xỉu đôi khi pha trộn và kết hợp các bài hát pop lỗi thời khác nhau, giờ đây cảm thấy chìa khóa cho di sản của bộ phim, phản ánh sự sẵn sàng của Luhrmann để thực sự sẵn sàng vật lộn với cuộc cách mạng video âm nhạc và đẩy hình thức âm nhạc phim về phía trước. Ông đã áp dụng cùng một chủ nghĩa hiện đại mà người viết cờ độc của Christian (Ewan McGregor) và Satine Satine (Nicole Kidman) tài năng/cam chịu/cam chịu vào năm 1900 Paris. Câu chuyện tình yêu của bộ phim là melodrama lỗi thời, nhưng Luhrmann, kể về việc vượt qua các tuyên bố bóng chày (đôi khi được trang trí từ Paul McCartney, Dolly Parton và Elton John, trong số những người khác), ghi lại khoảnh khắc mà pop Schmaltz quay vào tình yêu. Quyết định của Luhrmann, để thuê các diễn viên thay vì các ca sĩ được đền đáp một cách xuất sắc với tác phẩm của Shining-Star từ McGregor và Kidman, và một bản tái hiện khó quên của một người giống như một trinh nữ do Jim Broadbent thực hiện. [Jesse Hassenger]

21. Những người khác

21. Những người khácThe Others

Nói về Nicole Kidman, cô ấy sáng suốt bởi ánh nến, nghẹn lại thở hổn hển của khủng bố, trong ngoại lệ kỳ lạ này từ thời đại khi kinh dị chính thống hoạt động trong bóng tối của Scream. Ra mắt bằng tiếng Anh của mình, nhà văn-đạo diễn Alejandro Amenábar đã ghi được một cú đánh bất ngờ bằng cách gắn bó một ngôi sao phim trò chơi và một vài đứa trẻ nhạt vào một ngôi nhà bị ma ám sương mù ở châu Âu sau Thế chiến. Có một sự thanh lịch thường xanh đối với sự khéo léo của Amenábar, cho thấy những người khác có thể đã được phát hành trong bất kỳ thời đại nào và vẫn kết nối với khán giả. Tín dụng, sự hiện diện trên màn hình vượt thời gian của Kidman; Hiếm khi nó phục vụ một câu chuyện được thiết kế tốt như vậy, nảy sinh một cái bẫy sợ hãi (và sang trọng). [Jason Shawhan]Scream. Making his English-language debut, writer-director Alejandro Amenábar scored an unexpected hit by sticking a game movie star and a couple of pale children into a foggy haunted house in post-WWII Europe. There’s an evergreen elegance to Amenábar’s craftsmanship that suggests The Others could have been released in any era and still connected with audiences. Credit Kidman’s timeless screen presence, too; rarely has it served such a well-engineered story, springing an effortless (and classy) trap of fright. [Jason Shawhan]

7/27

20. Hedwig và inch tức giận

20. Hedwig và inch tức giận

20. Hedwig và inch tức giậnHedwig And The Angry Inch

Vài cụm từ cũng đáng giá như nhạc kịch Rock Rock, nhưng John Cameron Mitchell, bản chuyển thể trong vở nhạc kịch sân khấu bền bỉ của anh ấy có sự vênh vang để loại bỏ thể loại đáng ngờ đó. Nhà làm phim thể hiện vai chính của một ca sĩ nhạc punk-rock, người cố gắng di cư từ Đông Đức dẫn đến một hoạt động ghi lại giới tính, đau lòng và một chuyến lưu diễn hòa nhạc người Mỹ theo dõi người yêu cũ đã đánh cắp các bài hát của họ. Những năm ánh sáng đi trước thời đại trong việc đối xử với giới tính và sức mạnh của lực cản, Hedwig là một câu chuyện tình yêu đau đớn, cho vay nặng nề bởi sự sụp đổ của bức tường Berlin. Nó cũng rất thú vị, nhờ sự hài hước theo phong cách Bawdy Cabaret và các bài hát gốc của Stephen Trask, một chút táo bạo như nhân vật tiêu đề. [Leila Latif]

19. Amélie

19. AmélieAmélie

Cái chết không đúng lúc của Công nương Diana nhắc nhở Amélie Poulain (Audrey Tautou) để bí mật xoa dịu những tai ương của những người hàng xóm Montmartre của cô trong đạo diễn người Pháp Jean-Pierre Jeunet, cổ điển hiện đại về sự chân thành ma thuật. Một sự lặp lại lý tưởng hóa của Paris, nhuốm màu hay thay đổi và hoài cổ của nhà quay phim Bruno Delbonnel, tổ chức Tautou đầy mê hoặc và một dàn nhân vật hỗ trợ của các nhân vật lập dị quyết định. Bỏ lại phía sau bóng tối đen tối của tác phẩm khoa học viễn tưởng trước đó của mình, Jeunet không thể chấp nhận được sự lãng mạn sinh ra từ Kismet; Theo giai điệu của điểm số đàn accordion-and-piano tinh tế của Yann, anh ta lướt xuống những con đường hoàn hảo hình ảnh, giới thiệu cho chúng ta một khu vườn du lịch gnome, thời thơ ấu vô giá . [Carlos Aguilar]

9/22

18. Lord of the Rings: Sự thông công của chiếc nhẫn

18. Lord of the Rings: Sự thông công của chiếc nhẫn

18. Lord of the Rings: Sự thông công của chiếc nhẫnLord Of The Rings: The Fellowship Of The Ring

Phần đầu tiên trong bộ ba Lord of the Rings không có gì chắc chắn. Tiền sản xuất mất nhiều năm, ngân sách tiếp tục phát triển, vai trò đã được thu hồi. Và một câu hỏi nhất định lơ lửng như Nazgûl: Giám đốc Peter Jackson có thể làm ơn cả hai người hâm mộ của J.R.R. Tolkien sườn hàng thập kỷ giả tưởng cổ điển và những người xem phim giản dị không quen thuộc với loạt thần thoại dày đặc? Câu trả lời hóa ra là một tiếng vang có, nhờ sự pha trộn kỳ diệu của sự làm chủ kỹ thuật đằng sau máy ảnh và các màn trình diễn được hiệu chỉnh tinh xảo trước mặt nó. . Có lẽ những gì cộng hưởng nhất sau đó, sau hậu quả của bi kịch quốc gia, là sự khích lệ của bộ phim sử thi để chống lại cái ác khi lòng tốt cảm thấy không thể. Nó cộng hưởng vẫn còn. [Roxana Hadadi]

17. Ali

17. AliAli

Michael Mann đã đi theo con đường tiểu sử thông thường với bộ phim về Muhammad Ali. Từ bỏ câu chuyện đầy đủ cuộc sống, Mann chỉ bao gồm một thập kỷ hỗn loạn nhất trong sự nghiệp mang tính biểu tượng của Boxer, truy tìm một con đường từ nhà vô địch không thể ngăn cản đến Pariah gây tranh cãi để trở lại vua. Là Titan Titan, Will Smith mang đến một màn trình diễn kỳ lạ, dữ dội đã mang lại cho anh được đề cử Oscar đầu tiên. . Wright với tư cách là cư dân Ali Nhiếp ảnh gia Howard Bingham, và Jon Voight là đối tác phát sóng của Ali, Howard Cosell. Mann, tất nhiên, đã xây dựng nhiều bộ phim truyền hình xung quanh những người đàn ông phức tạp, mâu thuẫn. Ngay cả khi không có những cái bẫy phim tội phạm thông thường, Ali phù hợp với truyền thống đó như một chiếc găng tay đấm bốc được bọc chặt. [Craig D. Lindsey]Training Day.) And Smith is surrounded by a stellar supporting cast that includes Jamie Foxx as longtime corner man Drew “Bundini” Brown, Jeffrey Wright as resident Ali photographer Howard Bingham, and Jon Voight as Ali’s broadcast sparring partner, Howard Cosell. Mann, of course, has built many dramas around complicated, conflicted men. Even without the usual crime-movie trappings, Ali fits that tradition like a tightly wrapped boxing glove. [Craig D. Lindsey]

16. Cô gái béo

16. Cô gái béoFat Girl

Xoay mười hai Anaïs (Anaïs Reboux), người mà mong muốn vượt xa sự mong muốn của cô, từ chối thế giới trước khi nó có thể từ chối cô. Dự đoán một sự hoài nghi che giấu một sự ngây thơ, cô ấy xem khi chị gái của mình (Roxane Mesquida) chống lại và sau đó chấp nhận sự ép buộc của một người hai mươi tuổi mà họ gặp nhau trong một kỳ nghỉ gia đình; Cô gái trẻ, đôi mắt của con mắt rơi nước mắt trong những giọt nước mắt đau đớn xảy ra trong thời gian dài lấy chân ra khỏi giường. Bộ phim truyền hình của Catherine Breillat, về các hormone ngang ngược tất cả sự bối rối và khủng bố về tình dục trưởng thành như thoáng qua từ một vị thành niên vị thành niên, và trong kết luận đáng lo ngại của nó, xác định giới hạn của Outlook bị háo hức của Anaïs. Từ chối mong muốn của chính cô ấy không thể cách ly cô ấy khỏi một xã hội sẽ làm mồi cho họ; Sự thờ ơ của cô thực sự chỉ là hợp lý hóa phòng thủ, tuổi thiếu niên ở dạng tinh khiết nhất. [Charles Bramesco]

12/22

15. Xương sống quỷ dữ

15. Xương sống quỷ dữ

15. Xương sống của quỷ dữThe Devil’s Backbone

Các anh hùng Guillermo del Toro, thường là những sinh vật bị va chạm trong đêm: ma cà rồng, quỷ, những người đánh cá biết cách đập tan. Nhưng trái tim và nhân loại, anh ấy dệt qua những câu chuyện này biến chúng thành nhiều hơn là chỉ cần lắp ráp một cách siêng năng. Trong khoảng thời gian thời gian của Francoist và nhân vật chính, xương sống Devil Devil dự đoán Pan Lab Labyrinth, nhưng nó không có bản nháp khó khăn nào về điều đó sau đó, được hoan nghênh hơn tưởng tượng. Trong khi theo dõi các liên minh và sự đối nghịch của trẻ em trong một trại trẻ mồ côi ở vùng nông thôn Tây Ban Nha, Del Toro xây dựng một sự sợ hãi của sự sợ hãi và hay thay đổi thông qua một bộ đệm vàng ẩn, một quả bom được nhúng trong một sân trong, và những bóng bẩy và thì thầm của đêm. Với sự dịu dàng và ma quái, xương sống của Devil Devil nhắc nhở chúng ta rằng sự hối tiếc của chúng ta ám ảnh chúng ta hơn bất kỳ bóng ma nào. Đó là một nhà làm phim thể loại này đã rút ra nhiều lần. [Roxana Hadadi]Pan’s Labyrinth, but it’s no rough draft of that later, more acclaimed fantasy. While following the alliances and antagonisms of children in an orphanage in rural Spain, Del Toro builds a duality of dread and whimsy through a cache of hidden gold, a bomb embedded in a courtyard, and the scampering and whispering shadows of the night. With tenderness and spookiness, The Devil’s Backbone reminds us that our regrets haunt us more than any specter. That’s a cistern this genre filmmaker has drawn from again and again. [Roxana Hadadi]

13/22

14. Ocean Eleven Eleven

14. Ocean Eleven Eleven

14. Ocean Eleven ElevenOcean’s Eleven

Năm 2001, có George Clooney, Brad Pitt và Julia Roberts trong một bộ phim là một vấn đề rất lớn. Điều đó có nghĩa là, Ocean Eleven mười một với đủ sức mạnh ngôi sao để thắp sáng dải Vegas. Điều đó phù hợp với chiếc xe Rat Pack sành điệu được làm lại một cách sành điệu tại đây bởi Kỹ thuật viên bậc thầy Steven Soderbergh, người đối xử với bộ phim hài hòa đồng bóng mượt này về một người cũ, vợ cũ của anh ta và một sòng bạc trị giá 160 triệu đô la với ánh sáng mà vật chất yêu cầu. Ocean Eleven Eleven là một mánh khóe của tay trời, đánh lạc hướng khán giả với những người đẹp trai lố bịch trao đổi những con cá sấu dí dỏm trong khi nó làm nổi bật một loạt các bẫy phía sau hậu trường. Tất cả những mùa xuân này, từng cái một, trong trình tự bị chi phối thống trị nửa sau của mẫu vật rực rỡ này của Hollywood Craft hàng đầu. Và nếu các chi tiết của phi hành đoàn Cap Caper don lồng tất cả cộng lại? Này, hãy nhìn qua đó, đó là Matt Matt Damon và Don Cheadle! [Katie Rife]Rat Pack vehicle stylishly remade here by master technician Steven Soderbergh, who treats this slick ensemble comedy about an ex-con, his ex-wife, and a $160-million casino heist with the light touch that the material demands. Ocean’s Eleven is a sleight-of-hand trick, distracting the audience with ridiculously good-looking people exchanging witty barbs while it winds up a series of traps behind the scenes. These all spring, one by one, in the larceny sequence that dominates the back half of this dazzling specimen of top-notch Hollywood craft. And if the details of the crew’s caper don’t all add up? Hey, look over there—it’s Matt Damon and Don Cheadle! [Katie Rife]

13. Quái thú gợi cảm

13. Quái thú gợi cảmSexy Beast

Đối với tính năng đầu tay của mình, đạo diễn âm nhạc/giám đốc thương mại Jonathan Glazer (dưới da) về cơ bản làm lại Jacques Deray, The Bể bơi, chỉ với những tên xã hội đen của người Anh thay vì người Pháp nóng bỏng hút thuốc. Ray Winstone là một cựu tên cướp sống một sự tồn tại đầy nắng, yên bình ở Tây Ban Nha với vợ và bạn bè. Thật không may, Eden của anh ta bị xâm chiếm bởi một con rắn: cựu liên quan và Cockney Sociopath Don Logan (Ben Kingsley), người xuất hiện để đưa anh ta làm thêm một công việc, hoàn toàn từ chối nhận câu trả lời. (Vui nhộn và đáng sợ, Kingsley có một đề cử diễn viên phụ tốt nhất vì đóng vai một người quá khó chịu, chỉ đề cập đến tên anh ta làm tê liệt mọi người với sự sợ hãi.) Trong khi hầu hết các câu chuyện tội phạm của Brit Tại, Snatch?), Con thú gợi cảm tìm thấy một cái gì đó sâu sắc hơn dưới tất cả sự thô tục và bạo lực: một thiền định siêu thực về mức độ khó khăn đối với tội phạm sự nghiệp để đi hợp pháp. Bạn không bao giờ biết khi nào những con thú như Logan sẽ xuất hiện để phá hỏng sự nghỉ hưu của bạn. [Craig D. Lindsey]Under The Skin) basically remade Jacques Deray’s The Swimming Pool, just with aging, British gangsters instead of the smoking-hot French. Ray Winstone is a former mobster living a sunny, peaceful existence in Spain with his wife and friends. Unfortunately, his Eden is invaded by a serpent: ex-associate and Cockney sociopath Don Logan (Ben Kingsley), who shows up to rope him into doing One More Job, absolutely refusing to take no for an answer. (Hilarious and terrifying, Kingsley got a Best Supporting Actor nomination for playing someone so unhinged, the mere mention of his name paralyzes everyone with fear.) While most of the Brit crime stories of the era were mere exercises in style over substance (where you at, Snatch?), Sexy Beast finds something deeper under all the profanity and violence: a surreal meditation on how difficult it can be for career criminals to go legit. You never know when beasts like Logan will pop in to ruin your retirement. [Craig D. Lindsey]

15/22

12. Mùa hè Mỹ nóng ẩm ướt

12. Mùa hè Mỹ nóng ẩm ướt

12. Mùa hè Mỹ nóng ẩm ướtWet Hot American Summer

Mặc dù là một trong những bộ phim hài hước nhất từng được thực hiện chắc chắn không bị tổn thương (chỉ cần hỏi các quân đoàn của những kẻ ám ảnh bùng nổ mỗi khi họ nghe thấy một nồi đất sét phá vỡ Phương pháp -second Zucker-Abrams-Zucker với độ nhạy của Gen X. Và đó không chỉ là trong sự sai lệch hoàn hảo của giai điệu của những năm 80, mọi thứ, mọi thứ đã thay đổi văn hóa nhạc pop, mà còn trong tinh thần DIY nóng bỏng của Wet Nhà nước, và một danh sách khách mời được quản lý chuyên nghiệp (bao gồm cả Bradley Cooper, Elizabeth Banks và Amy Poehler) đã cùng nhau nổi tiếng một vài triệu để tiếp quản một khu cắm trại và làm bộ phim nhỏ, kỳ lạ, ngu ngốc của họ. Khi nào thì thích hợp để thả một báo giá vào cuộc trò chuyện thông thường? Bất cứ lúc nào. Bữa tối. Theo nghĩa đen, bất cứ lúc nào. [Charles Bramesco]

11. Monsters Inc.

11. Quái vật Inc.Monsters Inc.

Tính năng thứ tư của Pixar, là một bước nhảy vọt công nghệ khổng lồ, với mỗi mái tóc trên cơ thể màu xanh khổng lồ Sulley, rất khác biệt. Lấy bối cảnh trong một nhà máy nơi quái vật sử dụng các cửa liên tục để sợ hãi khi hét lên với trẻ em, từ đó, Monsters Inc. thể hiện những khái niệm cao nhất của hoạt hình, mà không có sự thao túng cảm xúc tay nặng tay của một số nỗ lực ít hơn. Hơn 92 phút về mặt động lực, bộ phim liền mạch va chạm trò hề, hồi hộp, phê bình chủ nghĩa tư bản, hài kịch, và tình yêu thuần khiết hình thành giữa một đứa trẻ mới biết đi và mèo con của cô. Ngoài ra còn có một người khác đặt lại thứ đó, nơi bạn tìm thấy nó hoặc giúp tôi: vở nhạc kịch, có thể là chuỗi giữa những tín chỉ ngu ngốc nhất mọi thời đại. [Leila Latif]

17/27

10. Hòa âm Werckmeister

10. Hòa âm Werckmeister

10. Hòa âm WerckmeisterWerckmeister Harmonies

Sátántangó có được tình yêu và các bài tiểu luận, nhưng không có gì bao gồm những điểm mạnh của nhà làm phim bậc thầy Hungary Béla Tarr như Werckmeister Harmonies. Bỏ qua cấu trúc chuyển tiếp và trở lại của người tiền nhiệm bảy giờ rưỡi của nó, Werckmeister đưa ra nguyên tắc tổ chức của các vòng tròn đồng tâm với một cảnh mở đầu ám ảnh của các khách hàng quen của quán bar để tái tạo quỹ đạo của hệ mặt trời. Trung tâm của bộ phim và vị trí không tên của nó là một rạp xiếc bí ẩn với một con cá voi được bảo tồn và một memagogue nổi tiếng gieo hạt giống hỗn loạn và khó chịu. Làm việc với đồng giám đốc và vợ / chồng Ágnes Hranitzky, cùng với nhà soạn nhạc Mihály Vig (có tín hiệu là một trong những bản nhạc phim lớn nhất trong thế kỷ 21), Tarr tạo ra toàn bộ lịch sử xã hội chỉ trong 39 bức ảnh. Kết quả là một công việc của Hoàng thượng đen trắng dữ dội và bền vững, không thể quên. [Jason Shawhan] gets the love and the essays, but nothing encompasses the strengths of Hungarian master filmmaker Béla Tarr like Werckmeister Harmonies. Eschewing the forward-and-back structure of its seven-and-a-half hour predecessor, Werckmeister lays out its organizing principle of concentric circles with a haunting opening scene of bar patrons tipsily recreating the orbits of the solar system. Central to the film and its unnamed location are a mysterious circus with a preserved whale and a ranting demagogue sowing the seeds of chaos and unease. Working with co-director and spouse Ágnes Hranitzky, alongside composer Mihály Vig (whose cues are among the greatest in 21st-century film music), Tarr creates an entire sociopolitical history in just 39 shots. The result is a work of intense and sustained black-and-white majesty, impossible to forget. [Jason Shawhan]

9. Công viên Gosford

9. Công viên GosfordGosford Park

Đến cuối đời, Hollywood Maverick Robert Altman đã ghi được một trong những bản hit lớn nhất của mình với một vụ án giết người kiểu Anh cổ xưa được đặt tại một khu vực nông thôn rộng lớn vào những năm 1930. Maggie Smith, Helen Mirren, Richard E. Grant, Emily Watson và Ryan Phillippe chỉ là một vài trong số các diễn viên tập hợp để đóng một loại quý tộc có quan điểm và những người hầu kiệt sức, một số người đang che giấu những bí mật tai tiếng. Nhà biên kịch Julian Fellowes đã giành được một giải Oscar cho Công viên Gosford và sau đó đã chuyển đổi tiền đề cơ bản của mình thành Tu viện Dftimeon, nơi diễn ra trên bộ phim chân dung của một hệ thống giai cấp châu Âu đang dần dần. Bộ phim có nhiều cuộc đối thoại và dựa trên cốt truyện hơn hầu hết các tác phẩm kinh điển của Altman, nhưng vẫn có máy ảnh trôi dạt, những cuộc trò chuyện chồng chéo của anh ấy, và sự nhấn mạnh trong sự nghiệp của anh ấy vào những cử chỉ duyên dáng nhỏ và sự kìm kẹp nhỏ nhặt khiến hành vi của con người trở nên hấp dẫn. [Noel Murray]Downton Abbey, which goes granular on the film’s portrait of a slowly dying European class system. The film is more dialogue- and plot-driven than most Altman classics, but still has his drifting camera, his overlapping conversations, and his career-long emphasis on the small graceful gestures and petty gripes that make human behavior so fascinating. [Noel Murray]

19/22

8. A.I. Trí tuệ nhân tạo

8. A.I. Trí tuệ nhân tạo

8. A.I. Trí tuệ nhân tạoA.I. Artificial Intelligence

Các dòng dõi kỳ lạ của A.I. Ngay lập tức đảm bảo nó là một vị trí trong lịch sử phim, cho dù là chú thích, sự tò mò, hoặc, của kiệt tác muộn, được đánh giá cao. Niềm đam mê lâu dài của Stanley Kubrick đã trở thành một dự án đam mê khác đối với Steven Spielberg, người đã lấy tín dụng viết kịch bản solo đầu tiên của mình kể từ khi gặp gỡ gần gũi để nhận ra người bạn quá cố của mình về việc điều chỉnh truyện ngắn Super Superys qua mùa hè dài. Câu chuyện tình tiết của cậu bé Robot David (Haley Joel Osment), gia đình bị gãy của anh ấy và nhiệm vụ trở thành một cậu bé thực sự trông có vẻ spielbergian rập khuôn trên bề mặt của nó, nhưng có độ sâu đáng lo ngại gần như ngay lập tức (và cuối cùng, theo nghĩa đen), khám phá giới hạn của các giới hạn của Khả năng của nhân loại để thiết kế tình yêu, và cuối cùng, để tự cứu mình, cho dù từ thủy triều lên hay thay thế cuối cùng. Nhìn kỹ hơn vào sự điêu luyện kỹ thuật, bóng tối lừa đảo và kết thúc hoàn hảo mà Lừa thường bị hiểu sai là một bước quá xa, A.I. Trông giống như một ngoại lệ kỳ lạ và giống như nó thực sự có thể là thành tích cuối cùng của Spielberg. [Jesse Hassenger]often misinterpreted as one step too far, A.I. looks less like a weird outlier and more like it could actually be Spielberg’s ultimate achievement. [Jesse Hassenger]

20 / 27

7. The Man Who Wasn’t There

7. The Man Who Wasn’t There

7. The Man Who Wasn’t There

Fargoreflects Joel and Ethan Coen’s Minnesota upbringing, and A Serious Manexplores their Jewish heritage, but it’s this deliberately mannered black-and-white film noirhomage, ironically, that may be their most deeply personal work. As barber-turned-blackmailer Ed Crane, Billy Bob Thornton embodies the lightly sardonic stoicism typical of the genre, speaking almost exclusively in bone-dry voiceover narration; his most frequent gesture is a barely visible nod of resigned affirmation. One might conclude that such a phlegmatic man doesn’t truly care about much of anything, just as some folks believed, back in 2001, that two wiseacres making elaborate, knowing riffs on everything from Hammett to screwball were working overtime to disguise their work’s essential soullessness. Dead wrong in both cases, and The Man Who Wasn’t There—which is at heart a love story, its passion buried so deep as to be almost undetectable—demonstrates with monochromatic clarity just how deceptive a surface can be. [Mike D’Angelo]

6. Audition

6. Audition

The unforgettable power of Audition hinges partially on the element of surprise. So let’s tread lightly through the twists and turns of this sweet, gentle romantic comedy about a lonely widower (Ryo Ishibashi) who gets a new shot at love. Superhumanly prolific Japanese director Takashi Miike has made dozens of movies in the years since, but has he ever locked into a scenario as whimsically inspired as staging auditions for a fake TV show in order to find the woman of your dreams? It’s with the delicacy of countryman Kore-eda Hirokazu and the crowd-pleasing instincts of a Hollywood hitmaker that Miike engineers the meet-cute between his leading man and the demure, slightly mysterious ingénue (Eihi Shiina) who pricks his healing heart like a skilled acupuncturist. Their courtship is so swoon-worthy that it’s easy to overlook that it’s built on a scheme. Don’t lots of rom-coms step out on a limb of high-wire deception, with characters who put the wrong foot forward? Incidentally, if you’re new to Audition, skip the trailer above: It goes deeper deeper deeper into the film’s unpredictable plot than it should. [A.A. Dowd]

5. Memento

​​5. Memento

Hard to believe now, but the film that put Christopher Nolan on the map struggled so hard to find a U.S. distributor that Newmarket, the production company, eventually gave up and just released Memento itself. Few in the industry believed that such a brain-scrambling narrative—its offbeat detective story largely told backward, so as to place viewers in the same constantly befuddled position as protagonist Leonard Shelby, who can’t retain short-term memories—could find a sizable audience, even by indie-film standards. Two decades and multiple brainy blockbusters later, that seems impossibly naïve. Still, the key was Nolan’s ability to infuse his puzzle-box structure with both genuine feeling and a keen understanding of human nature. “Don’t believe his lies,” reads the notation Leonard makes on one of the many Polaroid photos he carries to orient himself. The genius of Memento is that it’s sneakily about the many lies we tell ourselves. [Mike D’Angelo]

23 / 27

4. The Royal Tenenbaums

4. The Royal Tenenbaums

4. The Royal Tenenbaums

After making the small, quirky comedies Bottle Rocketand Rushmore, Wes Anderson and his writing partner, Owen Wilson, went big for movie number three, assembling a star-studded ensemble to tell the story of a family of once-famous New Yorkers barely coping with loss, loneliness, disappointment, and depression. Influenced in part by J.D. Salinger’s interconnected sagas about crumbling upper-crust clans, The Royal Tenenbaums builds off the theatricality of Rushmore, featuring characters who look and act like living cartoons, wearing the same clothes repeatedly and clinging to a few simple obsessions. This is the mode Anderson has stayed in ever since, crafting meticulously detailed environments populated by fussy eccentrics, while simultaneously tapping into the deep well of emotion beneath the ornate surfaces. It’s an effective aesthetic, but it’ll never feel as surprising and new as it did with this beautifully melancholy vision. [Noel Murray]

3. Ghost World

3. Ghost World

One year before Spider-Man kicked off the superhero craze that’s dominated multiplexes these past two decades, a modest comic book adaptation presented an alternate path for American movies. Terry Zwigoff’s comedy, adapted from Daniel Clowes’ comic, doesn’t feature caped crusaders but rather two recent high-school graduates, Enid (Thora Birch) and Rebecca (Scarlett Johansson), whose sarcastic patois and inchoate cynicism have bonded them together against the rabble. Ghost World chronicles the girls’ platonic breakup after Enid befriends middle-aged loner Seymour (Steve Buscemi), with Zwigoff capturing their inevitable rift in potently unsentimental terms. The film endures because of its unapologetic celebration of the idiosyncratic. From Enid dancing to “Jaan Pehechan Ho” over the opening credits to the hyper-specific décor of the local porn shop to everyone’s eclectic wardrobes, Ghost World believes deeply in going against the grain even while knowing how far that attitude gets you. Contemporary cinema should take the hint. [Vikram Murthi]

25/22

2. Trong tâm trạng cho tình yêu

2. Trong tâm trạng cho tình yêu

2. Trong tâm trạng cho tình yêuIn The Mood For Love

Có lẽ sự chưng cất cuối cùng của đạo diễn Hồng Kông Wong Kar-Wai, về thời gian, ký ức, mối quan hệ cam chịu và ánh sáng màu ủ rũ, trong tâm trạng cho tình yêu cũng là một trong những bộ phim lãng mạn nhất từng được thực hiện. Ngôi sao của Tony Leung và Maggie Cheung trong vai những người hàng xóm bên cạnh một mình trong đám đông của Hồng Kông vào khoảng năm 1962, một thế giới ban đêm ấn tượng của những chiếc đèn lồng giấy, hình nền công phu và nhấp chuột cao gót trên cầu thang bằng đá. Đây là một bộ phim về khao khát chưa được thực hiện, kéo dài khoảnh khắc khó thở giữa sự thừa nhận của sự hấp dẫn lẫn nhau và đôi môi lần đầu tiên chạm vào một cuộc đời đau khổ tinh tế. Ngoại tình, quyền sở hữu, mất mát và hối tiếc tất cả các yếu tố trong câu chuyện, nhưng cốt lõi của nó trong tâm trạng cho tình yêu là một nỗ lực để đóng chai một ký ức, cũng như một sự thừa nhận buồn vui về việc nó thực sự không thể làm điều đó như thế nào. [Katie Rife]

26/22

1. Mulholland Drive

1. Mulholland Drive

1. Mulholland DriveMulholland Drive

Liệu nó có nói điều gì đó về sự mờ nhạt liên tục của các ranh giới giữa truyền hình và điện ảnh rằng những gì có thể là bộ phim được hoan nghênh nhất của thiên niên kỷ mới bắt đầu cuộc sống trong một phương tiện trước khi định cư ở cái kia? Giữa việc hoàn thành vở opera xà phòng nguyên thủy tinh dịch của mình trên màn ảnh rộng và khởi động lại nó trên bộ phim nhỏ với mùa thứ ba, một số người tạo ra) thực sự là một bộ phim dài 18 giờ, David Lynch đã biến một phi công truyền hình thất bại thành một điểm cao của anh Sự nghiệp ngày càng tiên phong: Một giấc mơ của khát vọng Hollywood, trong hành động cuối cùng đau khổ của nó, thành một cơn ác mộng của sự tuyệt vọng dưới đáy đá. Người hâm mộ và các nhà phê bình đã dành hai thập kỷ để tìm kiếm những bí mật và sự mơ hồ của Mulholland Drive, phá vỡ chiếc hộp bí ẩn đó giống như ngôi sao Wannabe Betty (Naomi Watts) và người bạn đồng hành tóc quạt, Femme, Rita (Laura Harring). Tuy nhiên, người ta không cần phải giải quyết vấn đề của Lynch Lynch, làm say mê Noir để bị lạc, hết lần này đến lần khác, trong các góc tối của nó: sự rạng rỡ và tuyệt vọng của hiệu suất của Watts,; Cường độ tình hình lãng mạn tàn nhẫn của cảnh sex trung tâm của nó; Một đi lang thang chậm đằng sau một thực khách đủ điều kiện là một trong những cảnh lưu động máu nhất từng được cam kết với celluloid. Cuối cùng, vẫn có thể tự hỏi Lynch sẽ lái Mulholland Drive ở đâu nếu nó được đặt hàng, nhưng ít có thể tưởng tượng ra một phiên bản của nó có thể tự in như thế nào Từ những ký ức về những tác phẩm kinh điển của Tinseltown và cũng có kiến ​​thức tỉnh táo về những gì showbiz làm cho rất nhiều người đã kéo vào maw hay, đói của nó. [A.A. Dowd]on the big screen and restarting it on the small one with a third season some (including its maker) insisted was really an 18-hour movie, David Lynch transformed a failed TV pilot into a haunting highpoint of his increasingly avant-garde career: a daydream of Hollywood aspiration that curdles, in its harrowing final act, into a nightmare of rock-bottom desperation. Fans and critics have spent two decades poring over the secrets and ambiguities of Mulholland Drive, cracking open that mystery box just like wannabe starlet Betty (Naomi Watts) and her raven-haired, femme-fatale companion, Rita (Laura Harring). Yet one need not “solve” Lynch’s bewitching noir reverie to get lost, again and again, in its dark corners: the radiance and despair of Watts’ starmaking performance; the ravenous romantic-erotic intensity of its centerpiece sex scene; a slow wander behind a diner that qualifies as one of the most blood-curdling scenes ever committed to celluloid. In the end, it’s still possible to wonder where Lynch would have taken Mulholland Drive if it got ordered to series, but much less possible to imagine a version of it that would imprint itself as eternally on the mass cinephile subconscious, like an unshakeable dream built from memories of Tinseltown classics and also the sobering knowledge of what showbiz does to so many pulled into its gaping, hungry maw. [A.A. Dowd]